100 bài hát glam rock hàng đầu năm 2022

SKĐS - Chưa từng ban nhạc Đức nào có nhiều bản hit như Scorpions, ban nhạc này đã luôn đạt được các bản hit quốc tế trong vòng 5 thập kỷ.

Từ những ban nhạc thần tượng của tuổi teen như Tokio Hotel cho đến ban nhạc rock kỳ cựu như Scorpions, những nghệ sĩ này đã luôn xâm chiếm bảng xếp hạng âm nhạc quốc tế.

Scorpions

Và quán quân, ông vua của nhạc rock Đức không ai khác chính là Scorpion. Chưa từng ban nhạc Đức nào có nhiều bản hit như Scorpion, ban nhạc này đã luôn đạt được các bản hit quốc tế trong vòng 5 thập kỷ.

Thứ 2 là Rammastein gây mưa bão tại Anh và Australia năm 2015.

Xếp thứ 3 là Helloween, album My God-Given Right đã quét các bảng xếp hạng ở châu Âu và Nhật Bản năm 2015.

Tokio Hotel (thứ 4)

Tiếp theo là Gamma Ray và Accept, Blind Guardian, Guano Apes, Edguy, và Rage.

Blind Guardian

Blind Guardian có fan hâm mộ cả ở châu Âu, châu Á và Mỹ và có 8 album lọt vào bảng xếp hạng quốc tế.

Guano Apes

Guano Apes (album “Proud Like a God” là một trong những album bán chạy nhất bên ngoài nước Đức).

Edguy (thứ 9, ban nhạc gồm Tobias Sammet và 3 bạn cùng lớp, được đặt theo tên thầy giáo.

Rage (thứ 10; ban nhạc hút fan kể từ thập kỷ 1980s, với 15 album lọt vào các bảng xếp hạng quốc tế mà chưa ban nhạc Đức nào đạt được).

1. Định nghĩa

Rock là một thể loại âm nhạc phổ biến khởi nguồn là Rock n Roll ở Mỹ vào những năm 1950, phát triển thành một loạt các phong cách khác nhau trong những năm 1960 và sau đó, đặc biệt ở Anh và Hoa Kỳ.

Về nhạc cụ, Rock tập trung vào cây guitar điện - thường là một phần không thể thiếu của các ban nhạc Rock - cùng guitar bass và trống. Lời bài hát thường nhấn mạnh tình yêu lãng mạn cũng như các chủ đề khác mang tính xã hội hay chính trị.

2. Các thể loại khác nhau của Rock

Rock n Roll

Nhạc Rock có nền tảng là Rock n Roll, một thể loại nhạc có nguồn gốc từ Mỹ vào cuối những năm 1940 và đầu những năm 1950. Ban đầu Rock bắt đầu bằng sự pha trộn các thể loại âm nhạc khác nhau cùng thời gồm Rhythm, Blues, Gospel và nhạc đồng quê. Năm 1951, nhóm nhạc Cleveland, DJ Alan Freed bắt đầu chơi Rhythm và Blues phục vụ cho đám đông khán giả đa sắc tộc và được coi là những người đầu tiên sử dụng cụm từ "Rock n Roll" để mô tả thể loại nhạc này.

Garage Rock

Garage Rock là một thể loại Rock nghiệp dư, đặc biệt phổ biến ở Bắc Mỹ vào giữa những năm 1960. Sở dĩ gọi là Garage Rock vì cho rằng nó được luyện tập trong các garage gia đình ở ngoại ô. Các bài Garage Rock xoay quanh những trải nghiệm của cuộc sống trường trung học, với nhiều bài hát về "các cô gái nói dối". Lời bài hát và cách hát hùng hổ hơn so với những bài bình thường thời điểm đó, thường có những đoạn xướng gầm gừ hoặc hét lên.

Punk Rock

Bắt nguồn từ Garage Rock và các hình thức khác - nay được gọi là nhạc Protopunk, các ban nhạc Punk Rock né tránh sự thái quá nhận thức của xu thế chủ đạo nhạc Rock thập niên 1970. Họ tạo ra loại âm nhạc nhanh, sắc bén, với những bài hát ngắn, thiết bị đơn giản và nội dung thường là về chính trị. Punk bao trùm đạo đức "tự mình làm" (DIY) với nhiều ban nhạc tự sản xuất bản ghi âm và phân phối chúng thông qua các kênh không chính thức.

Glam Rock

Glam Rock là một phong cách âm nhạc phát triển ở Anh Quốc trong những năm 1970. Các ca sĩ Glam Rock thường mặc quần áo, trang điểm và làm tóc kỳ quặc. Glam Rock có sức ảnh hưởng lớn đến các thể loại nhạc khác, gồm cả Punk, Glam Metal và Gothic Rock.

3. Lịch sử phát triển của Rock

Những năm 1940 đến 1960

Nhạc Rock bắt nguồn từ cuối những năm 1940 - khi các phong cách nhạc phổ biến thời đó như nhạc đồng quê, Blues biến thành loại âm thanh mới được hỗ trợ bởi guitar điện và nhịp trống ổn định. Các nghệ sĩ Rock tiên phong của những năm 50, chẳng hạn như Chuck Berry dựa rất nhiều vào nhạc Blues cổ điển.

Đầu những năm 60, những người nối tiếp Berry, đáng chú ý nhất là nhóm Rolling Stones mở rộng phạm vi của Rock bằng cách chuyển đổi từ các nghệ sĩ single thành các nhạc sĩ có khả năng sản xuất album các bài hát. Với chủ đề là sự nổi loạn của tuổi trẻ, giới tính, nhóm Stones đã nâng Rock lên một tầm cao văn hóa mới.

Những năm 1970

Khi Rock trở thành thể loại âm nhạc thống trị, các ban nhạc mới dựa vào những điểm mạnh của những nghệ sĩ đi trước và tiếp tục phân nhánh thành những phong cách mới. Led Zeppelin biến Rock thành một giai điệu tối và nặng hơn, trở thành một trong những ban nhạc được biết đến nhiều nhất của thập niên 70, giúp khởi động một thể loại mới được biết đến như Hard Rock hay Heavy Metal.

Vào cuối những năm 70, như một phản ứng với những gì gọi là ban nhạc "hippie" kiêu căng như Pink Floyd, các nhóm như Sex Pistols và Clashsimplified đã thay đổi các thành phần cốt lõi của Rock: guitar lớn, thái độ dữ dội và hát một cách "nổi khùng".

Những năm 1980

Khi những năm 80 bắt đầu, Mainstream Rock mất dần sự thống trị, thay vào đó các tiểu loại của Rock bắt đầu lên ngôi. Lấy cảm hứng từ nhạc Punk và thiết bị chiết trung, các nhóm nhạc keyboard Anh như Depeche Mode đã chứng minh một phong cách sáng tác hướng nội hơn, tạo ra Postpunk - được mô tả như một làn sóng mới.

Cuối thập kỷ 80, Alternative Rock ra đời, dần thay thế sự hấp dẫn của Mainstream Rock. Nó cũng được gọi là Indie Rock vì các ban nhạc thường ký hợp đồng với các hãng đĩa nhỏ, độc lập. Đặc biệt, Alternative Rock củng cố vị thế văn hóa khi tạp chí âm nhạc Billboard tạo một bảng xếp hạng mới cho Alternative Rock vào năm 1988. Đối với hầu hết các fan âm nhạc, các thuật ngữ như Modern Rock, Alternative và Indie là cùng nghĩa khi nói về loại nhạc này.

Những năm 1990 đến nay

Với thành công của album Nevermind của Nirvana năm 1991, Alternative Rock trở thành thể loại âm nhạc thống trị. Nhưng trong khi các ban nhạc khác sớm nổi lên như là một phần của trào lưu Grunge (sự kết hợp của Hard Rock và Punk), các nhóm khác như Soundgarden đi theo hướng kết hợp Alternative và Mainstream Rock. Sau vụ tự tử của thủ lĩnh nhóm Nirvana - Kurt Cobain, Alternative bắt đầu mất dần sự vẻ vang vào giữa thập kỷ này, thiết lập giai đoạn cho việc xuất hiện trở lại của Mainstream Rock.

Một trong những ban nhạc đầu tiên tận dụng sự trở lại của Mainstream Rock là Limp Bizkit, kết hợp Hard Rock và rap thành một một loại nhạc lai mới gọi là Rap-Rock. Các nhóm như Staind và Puddle of Mudd theo sau Limp Bizkit, mặc dù những ban nhạc này tập trung vào Hard Rock hơn là kết hợp với Rap. Cũng thời gian này, các ban nhạc phát triển mạnh trong thời kỳ hoàng kim của Grunge chẳng hạn như Red Hot Chili Peppers tiếp tục tìm kiếm khán giả trong suốt những năm 90.

Bước sang thế kỷ 21, mặc dù các phong cách Rock có khác nhau nhưng về tinh thần thì vẫn tương tự như Rock những năm 60. Ví dụ như, Linkin Park kết hợp Hip hop và Metal. Chắc chắn, trong tương lai nhạc Rock sẽ tiếp tục phát triển, kế thừa bề dày lịch sử phong phú.

Trần Hồng Điệp
Theo types-of-music
Ảnh: Internet

When Marc Bolan appeared on the BBC show Top Of The Pops in March 1971 to perform his smash hit “Hot Love,” he launched a pop revolution not only with his music, but with his look. He appeared in bright yellow satin pants and a shiny black shirt with green and red fringe, his hair frizzed out into a wild halo of curls that shimmied with every cock of his head. But the ultimate piece of fashion and the most startling visual element of his outlandish-for-the-times outfit were the teardrops of silver glitter applied under his eyes, which caught the camera like a coy wink.

There are many conflicting stories surrounding the performance: Some say his wife applied the glitter, while others claim it was all Bolan’s idea. The most likely story is that the sparkle was added by his assistant, later his manager, a woman named Chelita Secunda. However that glitter got on camera, it stole the show. Young fans could copy that style just as easily as they could sing along with all those la la la lalala’s. The next day thousands upon thousands of kids all over England, boys and girls alike, were applying glitter and eventually make-up, and soon other rock stars were following suit. This was the birth of glam, one of the most outrageous and revolutionary movements in pop history: a musical and visual trend that celebrated surface shimmer, prized camp swagger, fed off its fans’ mania as much as its artists’ creativity, blurred the lines between masculine and feminine, and flirted with forms of sexuality only recently decriminalized by the Sexual Offences Act of 1967.

Glam represented a seismic pop-cultural shift after the heavy rock and heady import of the previous decade, which appeared dour and stifling to a new generation of pop fanatics. As Simon Reynolds writes in his epic and incredibly entertaining new history, Shock & Awe, glam artists “were driven by a half-ironic, deep down deadly serious obsession with stardom and all the trappings of ostentatious luxury that came with it. Breaking with the pieties of the long-haired liberation generation, glam celebrated illusion and masks instead of truth and sincerity. Glam idols like Bowie, Alice Cooper, Gary Glitter, Bryan Ferry and others espoused the notion that the figure who appeared onstage or on record wasn’t a real person but a constructed persona, one that didn’t necessarily have any correlation with a performer’s actual self or how they were in everyday life.”

All this flash and dazzle was buffing pop radio while England was experiencing dire economic convulsions, which would only intensify as the decade bore on. The country was negotiating its own presence in the European Community (a forerunner to today’s European Union), not only lending a new dimension to the artists’ understanding of Englishness but connecting that tumultuous period to our own. Glam was useful escapism: “Glam rock was a movement rooted in disillusionment,” writes Reynolds. “It believed fantasy would set you free, not reality.”

One of the most curious aspects of the movement is that very few of its biggest acts were native to glam. It didn’t burble up out of some obscure scene in England or elsewhere, but was invented on the fly. Musicians came to it from other genres and trends, from the previous decade’s beat bands and hippie acts. Bolan had smashed guitars in John’s Children and strummed cross-legged in the psych-folk act Tyrannosaurus Rex, a cult favorite but no best-seller. David Bowie had tried almost everything he could think of to get famous, from studying mime to playing in r&b bands to notching a surprise smash with “Space Oddity,” which he feared would taint him as a one-hit wonder. It wasn’t until he dyed his hair orange, proclaimed his homosexuality, and slid into the skin of alter ego Ziggy Stardust that he managed to achieve a foothold on the pop charts.

These and other artists brought to glam the virtues and values of other scenes, even as they upended and redefined them. All of those previous roles only underscored the degree to which glam was all about roleplaying: pop music as a catalyst for self-realization, a communal space where you could become literally anything you could imagine. It worked for artists as well as audiences, who could to varying degrees free themselves from the rigid gender roles of post-war British society. Glam became a movement defined by the synergistic relationship between idols and worshipers, each empowered and enabled by the other.

Và có lẽ đó là lý do tại sao Glam sống sót sau khi đến đỉnh cao, nhanh chóng biến đổi và mở rộng với mọi thế hệ người nghe nhạc pop mới. Glam Rock nhanh chóng nhường chỗ cho Glam Pop, khi những người anh em nhỏ bé dành sự chú ý trên một loạt các anh hùng mới: Mud, Suzi Quatro, và đặc biệt là các con lăn thành phố Bay, tất cả đều bị báo chí bác bỏ nhưng hầu hết đều có bốn mươi tuổi đáng ngạc nhiên. nhiều năm. Reynold đưa ra một trường hợp thuyết phục cho Quatro nói riêng là một nhân viên cứu hỏa nữ quyền và cho bùn như một ban nhạc dự đoán thời hoàng kim ngắn ngủi của quán rượu.

Ngay cả sau cái chết của Bolan, và Bowie, chuyển đến Berlin, Glam lại xuất hiện nhiều lần, một lực lượng quan trọng và hoạt hình trong nhạc rock. Nó đã truyền cảm hứng cho cuộc cách mạng tổng hợp của những năm cuối thập niên 70 và đầu thập niên 80, ảnh hưởng đến Gary Numan, Duran Duran, Con người, và rất nhiều người khác. Bạn có thể lập luận rằng Glam là nền tảng cho kim loại pop-and-spandex của Aqua Net-and-Spandex vào cuối những năm 1980, khi Dudes on the Sunset Strip đã trêu chọc tóc của họ vào Dos cao chót một dấu hiệu máy móc. Như Reynold lập luận, Glam là lực lượng đằng sau Lady Gaga, người đã truy tìm một quỹ đạo Bowie-esque bằng cách làm lại bản thân từ một dân gian quán cà phê tha thiết thành một nữ thần Artpop. Ngay cả ngày nay, indie-rock, các hành động như Kyle Craft và những cành chanh đang mang hình thức về phía trước.

Nói cách khác, Glam có lực lượng punk nguyên thủy, hoạt hình, mà nó được truyền cảm hứng một phần, sau đó chiếm đoạt, sau đó bị vênh và nghỉ ngơi. Giống như Punk, Glam mang một thứ gì đó cần thiết qua các thế hệ: ý tưởng rằng âm nhạc phổ biến có thể là một hình thức bị lạc, một hình thức để tìm thấy chính mình, một hình thức phục vụ như một ống dẫn cho bản thân lớn nhất và kỳ lạ nhất của chúng ta. Để tôn vinh di sản đó, Stereogum trình bày một lịch sử ngắn gọn, kỹ lưỡng nhưng không có nghĩa là dứt khoát, về sự quyến rũ của thời hoàng kim đầu thập niên 70 của nó cho các biểu hiện hiện tại của nó. Bởi vì phong trào nhấn mạnh hình ảnh cũng như âm thanh, những bài hát này được tiêu thụ tốt nhất thông qua các clip hiệu suất, nhưng nơi đó không có sẵn, chúng tôi đã chèn các video tĩnh. Và để giữ cho nó không chỉ là một danh sách các bản hit T. Rex và Bowie tuyệt vời, chúng tôi đã giới hạn các bài hát cho hai nghệ sĩ.

. Trong nhạc khiêu vũ từ vũ trường đến EDM nhưng sự săn mồi tình dục cá nhân cho thấy một khía cạnh bẩn thỉu của những người nổi tiếng pop thập niên 70. Như Reynold lưu ý, 'Tội ác lịch sử' của Glitter, để sử dụng thuật ngữ pháp lý xuất hiện trong các báo cáo trên báo, đe dọa sẽ biến anh ta thành một Unperson trong lịch sử pop. Đây không phải là mất mát lớn.)

Sóng đầu tiên

T. Rex - tình yêu nóng bỏng (tháng 2 năm 1971)

Nếu có một số không cho Glam, đó có thể là bài hát này. Marc Bolan đã gợi ý về hướng này trong năm trước, một trong những người đi xe màu trắng, đã kết hôn với một đoạn riff guitar của thập niên 50 với lời bài hát Hippie-Surealist nhưng là một khoảnh khắc chuyển tiếp hơn là một tuyên bố sứ mệnh tự tin. Mặt khác, tình yêu nóng bỏng, mặt khác, là địa chấn. Nó nhanh chóng lên đỉnh bảng xếp hạng nhạc pop và ở đó trong sáu tuần vào mùa xuân năm 71, một mùa được xác định bởi các cuộc đình công (nhân viên bưu điện), các cuộc biểu tình (Đạo luật Quan hệ Công nghiệp), Bạo lực ) và thất nghiệp (tỷ lệ cao nhất kể từ Thế chiến II). Mặc dù bất ổn như vậy, bản hit Upbeat đã tạo ra khuôn mẫu cho các bản hit Glam theo dõi: cập nhật tình cảm của âm thanh trước nhịp điệu, lời bài hát tinh nghịch, những câu nói quá lớn đối với đài phát thanh và các bài hát đơn đơn giản đòi hỏi sự tham gia của khán giả. Và, tất nhiên, rất nhiều và rất nhiều long lanh.

David Bowie - Nữ hoàng Bitch Bitch (tháng 12 năm 1971)

Một phần của sự hấp dẫn của Bowie, là fandom không bị đánh bại của anh ấy, cho dù anh ấy có hồi sinh sự nghiệp của Iggy Pop hay đánh bại các bản hit cho Mott the Hoople. Mặc dù nó phần lớn bị bỏ qua vào thời điểm đó, Hunky Dory bị gật đầu với các anh hùng và ảnh hưởng của anh ta, như thể Bowie đang tam giác mình qua tính cách của chính mình thông qua Andy Warhol và Bob Dylan, cả hai đều được đề cập trong các tựa đề bài hát. Nhưng cống phẩm đáng yêu nhất là Nữ hoàng Bitch, một câu chuyện về ma túy và mong muốn nợ một khoản nợ rõ ràng cho Velvet Underground và Lou Reed. Được trang bị cho Riff guitar nhỏ gọn của Mick Ronson, nơi làm cho búp bê New York đã lỗi thời trước khi họ chơi một nốt nhạc, bài hát cho phép Bowie bẻ cong giới tính một tam giác lãng mạn và tuyên bố mình là một người phụ nữ đẹp hơn so với đối thủ (có lẽ là nữ) của anh ta. Tôi có thể làm tốt hơn thế! Anh ta có thể đã chỉ đạo một tuyên bố như vậy cho Frenemy Marc Bolan, người mà anh ta sẽ nhanh chóng làm lu mờ.

David Bowie – “Starman” (April 1972)

Top Of The Pops may have been even more instrumental than radio in selling glam to a new generation of listeners too young to have grown up with the Beatles. Just over a year after Bolan’s star-making turn, Bowie outdid “Hot Love” in every regard: musically, sartorially, even sexually. Here is Bowie in full Ziggy Stardust get-up, bad teeth and loud hair, big boots and hairless chest, a sly smile and a wicked look in his eyes. Looking back, it’s hard to tell which gesture was more revolutionary: Bowie pointing to the camera and to the viewer at home on the line “so I picked on you — oo-oo” or Bowie draping his arm across the shoulder of guitarist Mick Ronson, hinting at a desire absolutely verboten on the BBC airwaves. Nearly fifty years later, it’s impossible to reconstruct that moment in history or to convey the magnitude of that moment, but Bowie’s performance has lost none of its magnetism over the years.

Mott The Hoople – “All The Young Dudes” (July 1972)

Mott were also-rans by the time glam exploded, having traipsed clumsily through a non-starting folk-rock career and some serious discussions about dissolving the band for more responsible pursuits. It was enough, however, to make Bowie a dedicated fan. Not only did he keep them from breaking up, but he took them under his wing, promising to write a hit for them. Can you imagine any band turning down “Suffragette City?” Ian Hunter rejected that one (now a standout in Bowie’s catalog) for a song originally conceived with Ziggy Stardust in mind, “All The Young Dudes,” a glam anthem told from a kid’s point of view. The song is pure Bowie, but Hunter might actually one-up him as he delivers these lines with a delinquent’s flair and rambles gloriously through the outro, growing more and more unhinged with every new announcement, as though the news itself — GLAM rock! — were creating the ultimate mania.

Roxy Music – “Virginia Plain” (August 1972)

Hailing from Newcastle-upon-Tyne, Roxy Music were one of the first acts to start out in glam without much experience or any real exposure in previous scenes, which meant they could help set the mold for how the style could grow and develop. Except no one else really followed that mold, because how could they? Roxy Music were fronted by a former pottery teacher with a penchant for camp erudition and high-concept songwriting, and the guitar-bass-drums lineup was augmented by Andy McKay on saxophone and oboe and Brian Eno on an eclectic collection of gadgets and noisemakers. Their debut single, named after Ferry’s preferred brand of cigarettes, is a skronking blast of high glam, a hit single as planted flagpole claiming their ground as the scene’s suavest troupe. And the movement had few moments as musically mind-blowing as the song’s instrumental bridge.

Slade – “Cum On Feel The Noize” (February 1973)

One of the most popular bands of the era, Slade were working-class glam, a quartet of Wolverhampton yobbos who never fully committed to the androgynous possibilities of the movement but whose embrace of goofy spectacle bordered on heroic. Their signature opens with the amazingly named Noddy Holder showing off his sandpaper pipes (“baby baby BABYYYYY!!!!”) and the band delivering a leering, stomping, swaggering, and utterly righteous tribute to their audience of faithfuls. The chorus becomes a battle cry, a rousing exhortation of rock’s purest joys and impurest aims: “Cum on feel the noise, girls grab the boyz/ We get wild wild wild!!!”

T. Rex – “20th Century Boy” (March 1973)

A lot happened between “Hot Love” in 1971 and “20th Century Boy” in ’73. T. Rex had already crested and subsided, leaving Bolan an addled wreck: bloated, ridiculously quaffed, and creatively adrift. But he got his head together for a string of non-album singles, the last of which peaked at #3. With its blaring guitar riff and raw melodic strut, “20th Century Boy” is the last great T. Rex single, but the first great example of his influence on the punk rock generation that would blossom in just a few years. The song has been covered by Siouxsie & The Banshees, the Replacements, R.E.M., Placebo (for the Velvet Goldmine soundtrack), and — most curiously of all — Big Six, a Japanese band that reimagined it as a rowdy rockabilly rave-up.

Roxy Music – “Do The Strand” (July 1973)

After the success of their 1972 self-titled debut, Roxy Music didn’t take too long to follow it up with For Your Pleasure, heralded by “Do The Strand,” one of the best singles of the decade. Essentially the band invent an inscrutable dance move without describing how it’s done, and Ferry dismisses older dance crazes (“Bored of the beguine? The samba isn’t your scene?”) as though the Strand’s greatest selling point is its newness, its obscurity. Taking its title from another brand of cigarettes, the song shows just how agile Roxy Music had grown in a short time and how eager they were to subvert the trappings of contemporary pop music. Every piece of “Do the Strand” runs abruptly into the next, the song changing direction manically. This is pop music at its most erudite, even as it pokes fun at pop’s pretensions to sophistication.

Sóng thứ hai

Dàn nhạc nhẹ - Roll Roll Over Beethoven (tháng 1 năm 1973)

Elo được ca ngợi là The Beatles mới của The Beatles, vì vậy thật phù hợp khi Jeff Lynne sẽ ra mắt ban nhạc của mình với bản cover tương tự đã ra mắt Fab Four một thập kỷ trước. Thay vì nhắm đến Raw Rock ’N, phiên bản này là một Fantasia quá đỉnh, một bản mash-up kết hợp Chuck Berry với nhà soạn nhạc tiêu đề Bản giao hưởng thứ năm. Mặc những bản synth của nó như trang điểm pancake và trống của nó như cao gót cao chót vót, bài hát thật lố bịch theo cách thú vị nhất có thể tưởng tượng được, nhưng chỉ gợi ý về âm thanh ngoạn mục mà Lynne sẽ mơ ước sau này trong thập kỷ.

Rebel Cockney - Hồi Sebastian (tháng 8 năm 1973)

Steve Harley làm việc như một kế toán viên báo, xe buýt điện ngầm và chơi hợp đồng dân gian trước khi thành lập ban nhạc Cockney Rebel, một trong những hành động vô danh của thời đại Glam (ít nhất là ở Mỹ). Họ đã công bố sự hiện diện của họ theo cách hoành tráng nhất có thể: với một bài quốc ca Baroque-Glam có một dàn nhạc năm mươi mảnh, một dàn hợp xướng có thể thậm chí còn lớn hơn, và một ca sĩ làm một bữa ăn của khung cảnh. Được mô tả bởi nhạc sĩ là một bài hát tình yêu của người Gothic, có vẻ như bị lạc trong một trang viên ma ám trên một nơi neo đậu ở đâu đó, với những chuỗi bước vào như ma và dàn hợp xướng đánh bại các chuỗi trên gác mái.

Brian Eno - Kim kim trong con lạc đà mắt (tháng 1 năm 1974)

Brian Peter George St John Le Baptiste de la Salle Eno khởi đầu với tư cách là một người tạo ra âm nhạc Roxy, các nút xoay tròn trong hai album đầu tiên của ban nhạc và tiên phong trong một Androgyny hoang dã (mặc dù anh ta đang rút lui đáng kể) . Vì vậy, anh ấy đã đi một mình, ra mắt với The Weirdo ở đây có những chiếc máy bay phản lực ấm áp, kết hợp những cây đàn guitar thập niên 50 của Revved-up với những cú đánh tương lai và bloops để tạo ra một thứ gì đó hoàn toàn nguyên bản. Kim kim trong con lạc đà, mắt của con lạc đà cũng gần như anh ấy đến một bài quốc ca, với những cây đàn guitar bắt đầu và gõ ầm ầm. Bài hát sẽ ghi nhớ một cách đáng nhớ các khoản tín dụng mở đầu cho Todd Haynes, Glam Fantasia Velvet Goldmine. Eno sau đó sẽ phát minh ra âm nhạc xung quanh và sản xuất rất nhiều album nhạc rock, nhưng đó là một danh sách khác hoàn toàn.

Elton John - Hồi Bennie và Jets (tháng 2 năm 1974)

Ngài Elton đã cố gắng trên rất nhiều chiếc mũ trong thập niên 60 và đầu thập niên 70 đến nỗi ông nhất định sẽ tìm thấy một chiếc có sequin sớm hay muộn. Anh ta đã treo xung quanh rìa của khung cảnh quyến rũ trong một vài năm, ghi được một số bản hit lớn ở cả hai bên Đại Tây Dương và thậm chí gây nhiễu với Bolan trên bộ phim hòa nhạc gặp khó khăn được sinh ra cho Boogie. Một trong những đĩa đơn hay nhất của anh ấy trong thập kỷ - và do đó, một trong những người độc thân hay nhất của anh ấy - đó là vamp R & B sải bước về một ca sĩ quyến rũ hư cấu, người có thể là bất kỳ ca sĩ quyến rũ nào, bao gồm cả Elton. Lời bài hát được trích dẫn nhiều nhất mô tả Bennie trong thời gian điện Boots và bộ đồ Mohair, nhưng bài hát quan tâm nhiều hơn đến bản chất của trải nghiệm tôn giáo pop, cuối cùng cũng quan sát rằng, Bennie làm cho họ trở nên vô dụng. Mà khá nhiều tổng hợp sự hấp dẫn của Glam.

Mott the Hoople - Thời đại hoàng kim của Rock ‘Niên Roll (tháng 2 năm 1974)

Mệt mỏi với những câu hỏi của báo chí về ân nhân nổi tiếng hơn của họ, Mott The Hoople đã tự xa cách với Bowie để theo dõi tất cả các anh chàng trẻ tuổi, chứng tỏ bản thân họ có khả năng đánh bại các phát thanh. Như với rất nhiều giai điệu của Ian Hunter, một khía cạnh nổi bật nhất của Hồi The Golden Age of Rock ’Niêu Roll Roll là sự mơ hồ của nó: ban đầu rất khó để biết nó có tham gia vào thời đại của thời đại của những năm 50 hay không. Có phải Mott Lambasting Pop Idols để khai thác người hâm mộ và khán giả hay thay đổi cho cuộc chiến đấu với một vị trí ở hàng ghế đầu? Hay họ thực sự tôn vinh sự điên cuồng của đám đông và sự thôi thúc nổi loạn? Có thể là một chút của cả hai. Nó không thể nghe được động lực hoang dã của bài hát và không tin Hunter khi anh ta đe dọa bạo lực nếu bạn dám từ chối.

Nữ hoàng - Nữ hoàng giết người (tháng 10 năm 1974)

Thông thường không liên quan đến Glam, Nữ hoàng có xu hướng nhiều hơn về phía kim loại và đá cứng - mặc dù bạn có thể lập luận rằng công việc guitar chất lỏng của Brian May, và Freddie Mercury, vượt qua tính cách không thuộc về cảnh của họ. Nhưng sự chồng chéo là tiết lộ. Nữ hoàng giết người, một trong những album Sheer Heart Attack của họ, là Nữ hoàng Nữ hoàng Bitch, một bức chân dung nhân vật tiêu với rất nhiều chi tiết biết rằng nó dễ dàng nhầm lẫn với ca sĩ với chủ đề này. Nhưng của họ là một sự tinh tế khàn khàn (Drop của một chiếc mũ mà cô ấy sẵn sàng và vui tươi như một Pussycat,) đã ghép vào một giai điệu vui nhộn, nhưng được trích dẫn từ một số vaudeville. Giống như Bowie và Bolan, Nữ hoàng đã bị mê hoặc bởi tiếng Anh, nhưng không giống như các đồng nghiệp của họ, họ đã xoay sở để đóng gói nó theo cách mà người Mỹ có thể nổi tiếng cùng với.

Steve Harley & Cockney Rebel - Hồi Make Me Smile (Hãy đến và gặp tôi) (tháng 1 năm 1975)

Vào giữa những năm 70, Steve Harley đã có đủ hồ sơ để nhận được hóa đơn hàng đầu về những gì đã trở thành ban nhạc ủng hộ của anh ấy, và anh ấy đã nghiền ngẫm những năm tốt đẹp nhất của cuộc đời chúng tôi, một album khái niệm về sự mất mát của sự tỉnh táo về cảm xúc và tâm lý đã tạo ra Một trong những hit lớn nhất của anh ấy. Sau đó, Make Me Smile (hãy đến và gặp tôi) Hit Hit số một ở Anh và thậm chí đã phá vỡ Top 100 của Hoa Kỳ, bán một triệu bản và ghi được các khoản tín dụng đóng cho Velvet Goldmine. Nó là một sự khéo léo tuyệt vời, ham chơi đáng ngạc nhiên, và sự sắp xếp ánh sáng quyến rũ, chỉ triển khai một vài nhạc cụ-phần nhịp điệu, guitar Tây Ban Nha, một chiếc giường synths chưa được tạo ra-để gợi ý một cú lăn trước. Harley nghe có vẻ như anh ấy mời toàn bộ khán giả đến căn hộ của mình, và sự gián đoạn của Start-Stop có tác dụng của một lời trêu chọc vui tươi. Đây là một sự quyến rũ nhất về tình dục và âm nhạc của nó, một lời nhắc nhở rằng sự tự do gợi cảm như vậy nên là niềm vui đầu tiên và quan trọng nhất.

Bubbleglam

Bonnie St. Claire & Đơn vị Gloria - Từ vỗ tay và đóng dấu chân của bạn (tháng 1 năm 1973)

Bonnie St. Claire là một ca sĩ nhạc pop người Đan Mạch về những gì trông giống như phần cuối của sự nghiệp ngắn ngủi khi cô hợp tác cho một số ít người độc thân với đơn vị ban nhạc Utrecht Gloria, người mà người sói làm rất tốt. Họ đã phát hành một số ít người độc thân hồi sinh sự nghiệp của họ, trong đó tốt nhất là đĩa đơn Giddy của họ, Clap Clap của bạn và đóng dấu chân bạn. Một vụ đập phá ở châu Âu và Scandinavia, một hit nhỏ ở Anh, và hoàn toàn không có trên Đại Tây Dương, nó có vẻ như là một bài hát tình yêu từ nghệ sĩ đến khán giả, khi St. Claire hướng dẫn người hâm mộ của cô chính xác cách thể hiện tình cảm và lòng biết ơn của họ.

The Sweet - Ballroom Ballroom Blitz (tháng 9 năm 1973)

Too Alpha Male để cam kết làm mờ các chuẩn mực giới tính, ban nhạc London này đã rơi dưới ngón tay cái của Mickey Chinn và Mike Chapman, hai người Svengalis đều xác định Bubbleglam là ngọt ngào và bắt nguồn từ sự hồi hộp giá rẻ (giáp với nỗi nhớ rẻ tiền) Rock & Roll. Sự ngọt ngào thiếu sự lôi cuốn kỳ quặc của Slade cũng như sự vô tư của Mott, nhưng Ball Ballroom Blitz là khoảnh khắc sét đánh trong vòng bottle của họ, một bài hát này rất hấp dẫn đến nỗi bài hát chơi ban nhạc thay vì ngược lại. Được báo cáo được truyền cảm hứng từ một đám đông người Scotland đã đưa ban nhạc bằng một cú vô tâm chai, bài hát đã trở thành giai điệu đặc trưng của họ, nhờ tiếng trống không ngừng nghỉ và sự xen kẽ của Steve Priest. Nó là một trong những bài hát được bao phủ nhiều nhất từ ​​thời đại, với các phiên bản của Krokus, vấn đề vật chất, Rezillos và Taunt quan trọng, ban nhạc hư cấu từ Wayne Wayne World.

Bùn-Dyna Dyna-mite (tháng 10 năm 1973)

Nếu bạn chỉ xem một video trong danh sách này, hãy chắc chắn rằng nó có hình này. Mud là một trong một hàng dài các ban nhạc Hệ thống nước Nỗi nhớ của thập niên 50, cấu hình trước những hành động tàn bạo âm nhạc sẽ sớm được thực hiện bởi những người theo dõi pop bottomfeed như Alvin Stardust, Racey, và Shakin xông chết tiệt. Nhưng don giữ điều đó chống lại họ. Dẫn xuất võng của Mud là gốc rễ của khiếu hài hước sắc sảo của họ, liên quan đến các bước nhảy đồng bộ, móc háo hức, và bất cứ người chơi guitar địa ngục nào Rob Davis đang mặc (đừng cười quá nhiều. T đưa bạn ra khỏi đầu của tôi ”). Họ đã đứng đầu các bảng xếp hạng Vương quốc Anh với Chân hổ truyền nhiễm, nóng hổi trên dây chuyền lắp ráp Chinn Chapman, nhưng Reynold tạo ra một trường hợp thuyết phục cho đĩa đơn trước đó, mà Pu Pub Pub Rock: Không có gì tinh tế về âm thanh của Mud, Một dồn dập hiệu quả đáng chú ý khiến bạn tự hỏi tại sao Pub Rock thậm chí cần được phát minh bởi các ban nhạc hoặc được các nhà báo vô địch vào năm 1974. Ông có nghĩa là nó như một sự bổ sung. Tôi nghĩ.

Bay City Rollers - Đêm thứ bảy (tháng 9 năm 1975)

Hành động Scotland này là kết luận hợp lý đối với mục tiêu tuổi teen của Glam, một ban nhạc đã mượn sự kỳ quặc của các tổ tiên của họ trong khi vứt bỏ bất cứ điều gì có thể khiến cha mẹ hoặc tiêu chuẩn các chuyên mục buôn chuyện. Thay vì lấp lánh và bóng mắt, các thanh niên giữa những năm 70 đã chơi tartan togan và sash rolermania và hát theo một số ít bạn biết gì không? Hoàn toàn tốt cho những người độc thân thành công. Tốt nhất trong số đó là The Smash Hồi Saturday tối, với câu nói chính tả và dòng guitar guitar nói tiếng Anh khơi dậy nhiều hơn lời bài hát dám. Bài hát đã tồn tại lâu hơn ban nhạc trong nhiều thập kỷ, và thậm chí ngày nay nó lại là một yếu tố chính trong các sự kiện thể thao, nhờ nhịp điệu thủ công được kết hợp của nó.

Bài hát nào được coi là sự ra đời của Glam Rock?

Những năm 80 là Glam Rock là gì?

Ai là ban nhạc glam rock lớn nhất?

Nữ hoàng được coi là Glam Rock?